La Coral de Navarra y el Museo Oteiza homenajean al movimiento 'Ez dok amairu'

La Coral de Cámara de Navarra (CCN) homenajeará este sábado al movimiento cultural vasco 'Ez dok amairu', que ahora cumple medio siglo y del que formó parte Jorge Oteiza, cuyo museo en Alzuza tendrá especial protagonismo.

Se trata de un homenaje a la nueva canción vasca a través de los arreglos corales de ocho compositores contemporáneos vascos en base a otras tantas melodías creadas por Julen Lekuona, Xabier Lete, Jose Angel Irigarai o Benito Lertxundi, entre otros, que la Coral interpretará este sábado por la tarde en Baluarte, donde también intervendrá el coro Bogoroditsie de Durango y el pianista Andoni Arcilla.

Por la mañana, en el Museo Jorge Oteiza y en el marco además de la celebración del 108 aniversario del nacimiento del artista vasco, tendrá lugar una mesa redonda con expertos en la que se analizarán algunos aspectos del movimiento 'Ez dok amairu', y poco después se realizará una visita al museo en la que la CCN interpretará la obra 'Urak dakarrena' de José Angel Irigarai, arreglada por Koldo Pastor.

El proyecto de la Coral de Cámara de Navarra surge a raíz de la invitación que les hizo el Archivo Vasco de la Música (Eresbil) para participar en uno de los programas de la Semana de la Música Vasca (Musikaste) de 2016, en el que se implicaba la Cátedra Mikel Laboa de la Universidad del País Vasco, Donostia 2016 capital cultural y el propio Archivo Eresbil junto a la Coral Andra Mari.

Su participación en Musikaste se amplía ahora a esta iniciativa, a la que se quiere dotar de uncarácter pedagógico y divulgativo en torno a 'Ez dok amairu' y entroncarlo con la figura de Oteiza, quien fue además quien bautizó con ese nombre al movimiento.

En conferencia de prensa, el director artístico de la Coral navarra, David Guindano, ha recordado que el movimiento cultural 'Ez dok amairu', traducido como 'No hay trece', y rescatado de una leyenda popular vasca, aludía a la ruptura de la mala suerte y el "castigo" que contra la cultura vasca se había vivido hasta entonces con el régimen franquista, y fue una corriente que entre 1966 y 1972 se centró principalmente en música y poesía.

"Reivindica la nueva creación, un poco como la nueva canción catalana, a partir de elementos étnicos o incluso de textos vinculados a la cultura pero todos de nueva creación en un lenguaje bastante cercano al movimiento de los cantautores que se estaba produciendo en ese momento", ha recordado Guindano.

Ha explicado que Musikaste encargó a varios creadores la adaptación al instrumento coral de estas melodías en principio no corales, porque "el instrumento coral representa la expresión mas representativa del hecho musical en nuestra tierra".

"Creo además interesante enriquecer el repertorio del instrumento coral con obras en principio un poquito alejadas de él, como pueden ser este tipo de obras vinculadas a la música popular urbana, al mundo del cantautor o incluso dándole un toque más moderno con el jazz, que es otro punto de vista", ha avanzado.

Guindano ha valorado que el resultado es "bastante interesante", con adaptaciones para coro solo, para coro y piano, y en algunos momentos con alguna colaboración instrumental más, lo que lo convierte en "un evento bastante completo y también transversal en cuanto a las disciplinas artísticas".

En cualquier caso, pese a ser música contemporánea, ha avanzado que se escuchará "una música bastante sencilla de oir, que se mueve en el ámbito del pandiatonismo" y, excepto la obra de Koldo Pastor que puede alejarse un poco, "lo demás se mueve en un ámbito muy amable en general".

También ha intervenido el director del Museo Oteiza, Gregorio Díaz Ereño, quien ha abierto el "espacio singular" del edificio a iniciativas como esta, en la que además el "poliédrico" artista estuvo directamente implicado y "muy activo"

Oteiza dialoga amb Gaudí

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Tres de les 'caixes buides' d'Oteiza que poden veure's a la Pedrera: 'Circulació en oblic amb tres buits Malévich', 'Buits en cadena' i 'Variant vertical del signe funerari Galíndez', de 1958 JOAN SÁNCHEZ

A la fi dels anys cinquanta coincidint amb la seva popularitat més gran i èxit professional que l’havia enlairat fins a ser considerat el millor escultor del món, Jorge Oteiza (Orio, 1908 - Sant Sebastià, 2003) va decidir abandonar la seva feina perquè considerava que havia arribat al final; que les escultures ja no li aportaven res. Però el seu silenci creador no va significar la seva desaparició, sinó que Oteiza, des d’aquest moment, va entrar en un remolí d’activisme i creació literària, escrivint assajos, fent una important tasca pedagògica o vinculat al cinema, generant milers de documents i dotzenes de llibres. Hi ha doncs molts oteizas en l’exposició “Oteiza. La desocupació de l’espai”. Tots dialoguen, a partir d’aquest dimarts, amb La Pedrera, una de les obres cabdals d’Antoni Gaudí; a priori, una conversa sorda per llunyana, però que deixa entreveure tot el que tenen a veure aquests dos creadors excepcionals: els dos van dominar el volum i l’espai com pocs, l’arquitecte creant formes originals i gairebé impossibles; l’escultor realitzant obres en les quals va acabar reduint més i més la presència de matèria per descobrir els espais buits. Els dos van compartir, malgrat la distància, la creació d’obres visionàries que transcendeixen més enllà de l’experiència estètica.

De fet, tal com recorda l’exposició que organitza Fundació Catalunya La Pedrera, Oteiza admirava profundament Gaudí: “El més important i definitori com a estàtua va ser en la meva visita al taller de Gaudí, a la Sagrada Família, un tros geomètric de columna o d’arc, una pedra sola abandonada a terra però recorreguda per una tensió física imperceptible”, va escriure. Per això, no hi ha dubte que el basc estaria, malgrat el seu caràcter difícil, content de poder mostrar part de les seves obres (el seu corpus asseguren que són 2.700 escultures) en una obra del seu admirat Gaudí.

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Els tres caps dels apòstols que va realitzar Oteiza per a la basílica d'Aránzazu. JOAN SANCHEZ

Des del 1988 a Barcelona no s’havia vist una gran exposició sobre Oteiza. Ara s’han reunit 130 obres, de les quals 91 escultures, al pis noble d’aquest edifici que es mostra en tota la seva esplendor. S’han obert finestres perquè entri la llum tamisada del carrer, s’han alliberat les columnes, totes diferents, de l’edifici, que passen del cub de la base al cilindre dels fusts i dialoguen com mai amb el continent d’Oteiza, la gran majoria obres de la Fundació Museo Jorge Oteiza, instal·lada des del 2003 a la localitat navarresa d’Alzuza que conserva 1.650 escultures de l’artista. La mostra comissariada per Gregorio Díaz i Elena Martín, director i responsable del departament de conservació del museu també té tres peces del Museo Reina Sofia i quatre de col·leccionistes privats.

La mostra repassa tots els processos creatius de l’escultor; “la seva evolució des del primitivisme fins al minimalisme constructivista” segons Martín i s’il·lustra amb fotografies com les del seu famós laboratori de guixos, en el qual se’l veu treballant amb guixos i donant forma a pots de conserva. “Les llaunes m’han alimentat físicament i mentalment”, assegura l’artista. Les primeres obres estan influïdes per l’art precolombí que va contemplar durant els seus viatges i l’estada de 13 anys a Sud-Amèrica. El segueixen les seves peces antropomorfes en les quals comença a aparèixer l’abstracció: Dos anys després del seu retorn el 1948 va començar a treballar, després de guanyar un concurs nacional, en la reconstrucció de la basílica d’Arantzazu, realitzant l’estatuària de la façana principal. El 1955 se suspenen els treballs perquè certs sectors de l’Església consideraven que no ajudaven a guanyar adeptes, sinó tot el contrari i algunes figures van quedar a mig fer. En l’exposició es poden veure tres caps dels apòstols, i algunes maquetes de la Mare de Déu. Després que les figures a mig fer romanguessin 15 anys abandonades en una calçada, el projecte es va reprendre el 1969 i es van instal·lar els seus 14 apòstols brutalistes (segons Oteiza els 13 remers d’una trainera i el timoner).

'Caixa buida amb color desocupant', d'Oteiza a la Pedrera. JOAN SÁNCHEZ

La seva presència a la Biennal de Sao Paulo el 1957, en la qual va ser nomenat millor escultor del món, està representada en l’exposició amb vuit de les 28 peces que es mostren sobre peanyes idèntiques a les quals va dissenyar el mateix Oteiza. Al Brasil, l’artista va mostrar la conclusió dels seus treballs, de la naturalesa experimental de la seva escultura, unió d’“estructures lleugeres, dinàmiques i obertes, creadores d’espais actius que desafien el pes de la matèria”, explica Martín. És el cas de Suspensió buida (estela funerària homenatge al constructor aeronàutic René Couzinet), propietat del Reina Sofia, creada el 1957. La mostra conclou amb algunes de les seves caixes metafísiques en les quals va buscar la presència de l’absència, del no-res, entre ellesHomenatge a Velázquez, “que captura l’atmosfera de les Meninas” i Unitat mínima, considerada una de les seves últimes peces, del 1959, que tanca l’exposició.

El edificio barcelonés de La Pedrera acoge la exposición 'Oteiza. La Desocupación del espacio'

La sala de exposiciones del edificio barcelonés de La Pedrera acoge la exposición 'Oteiza. La desocupación del espacio', una completa muestra organizada por la Fundación Museo Jorge Oteiza y la Fundación Catalunya-La Pedrera, que analiza la trayectoria del artista a través de una selección de 130 obras procedentes, en su mayoría, del Museo de Alzuza.

La exposición, que se mostrará entre este martes, 27 de septiembre, y el 22 de enero de 2017, está comisariada por Gregorio Díaz Ereño y Elena Martín, director y conservadora del Museo Oteiza, respectivamente.

La presentación de la exposición en La Pedrera es, según el Gobierno foral, "una gran oportunidad para que la ciudadanía de la ciudad condal pueda conocer la obra de este artista fundamental en la historia del arte del siglo XX, del que no se organiza ninguna muestra monográfica en Barcelona desde hace treinta años".

La exposición 'Oteiza. La desocupación del espacio' propone un recorrido cronológico y documentado por los diferentes procesos experimentales de desocupación y vaciamiento realizados por el escultor hasta llegar a su obra conclusiva de finales de los años cincuenta, que representa el paso de una escultura figurativa a una puramente espacial.

A lo largo de este proceso, la escultura supera los límites de la materia y se encarna simbólicamente en el vacío, un espacio de plenitud y sin tiempo que adquiere toda la significación espiritual y metafísica que ansiaba el artista.

La exposición incorpora también numerosos dibujos y documentación original de Oteiza, y da a conocer diversas facetas de su trayectoria vital, política y creativa, que comprenden desde la arquitectura o la poesía hasta la pedagogía o la agitación cultural y ponen de manifiesto su voluntad de participar en la construcción social desde el arte y la estética.

Esta exposición se ha organizado en estrecha colaboración con la Fundación Museo Jorge Oteiza, que, además de realizar el comisariado, cedió la mayoría de las obras presentes en esta retrospectiva. Los fondos del Museo Oteiza están integrados por un total de 1.650 esculturas, 2.000 piezas de su laboratorio experimental, además de una gran cantidad de dibujos, collages y documentación personal del propio Oteiza.

El día en que Oteiza se disgustó con Gijón (y la muestra que hace las paces)

Ya tardaba Jorge Oteiza en dejarse ver en el museo Evaristo Valle. Solo por su cercanía artística y personal con dos de los grandes escultores vinculados al centro gijonés -Joaquín Rubio Camín y Amador- y por su enorme ascendente en la escultura contemporánea española, tan cuidadosamente representada en el museo, bastaría para preguntarse por el motivo de esa tardanza. Existe. Como existe un cronometraje preciso de la demora: los 25 años transcurridos desde que el escultor vetase una exposición en el Valle para la que todo estaba ya listo. También hubo otro tipo de exposición: la de los motivos de Oteiza; sucinta, pero por escrito, y de puño y letra del intenso creador vasco. La recibió el director del museo, Guillermo Basagoiti, firmada por Oteiza desde su santuario navarro de Alzuza con fecha de 7 de mayo de 1991. No era una carta, sino un ejemplar de su recién aparecido Libro de los plagios con una dedicatoria-explicación: «En este librito tiene usted los motivos -uno de ellos en este momento el principal- de mi verdadero disgusto de sólo pensar en Gijón».

Los «motivos» se reducían a uno: Eduardo Chillida, por supuesto. El escultor donostiarra acababa de inaugurar en el cerro de Santa Catalina una de sus piezas mayores. un Elogio del horizonte que la ciudad consagraba desde el minuto cero como un emblema. Y el Elogio era precisamente una de las piezas cuyo plagio denunciaba el colérico y pugnaz Oteiza en aquel libro que venía a ser el testimonio definitivo de una enemistad casi legendaria tres décadas largas entre los dos artistas. Faltaba un lustro para su abrazo de reconciliación en Chillida Leku y la presencia de un Chillida en el centro de Gijón era todavía casus belli suficiente como para negarse a exhibir la propia obra en el recoleto museo de Somió, a las afueras.

Como llegó aquel abrazo representado hoy en una pieza de Chillida en la bahía donostiarra, ha llegado finalmente la exposición al Evaristo Valle. Ha tenido que pasar este cuarto de siglo para que Guillermo Basagoiti -que, ni que decir tiene, guarda como oro en paño el Libro de los plagiosmanuscrito por Oteiza que tanto debió de disgustarle- vea finalmente cumplido un viejo sueño. Pero no son las obras del Museo de Bellas Artes de Bilbao seleccionadas entonces sino otro conjunto, perteneciente, salvo una de las piezas, al Museo de Arte Contemporáneo de Santander y Cantabria (MAS): once esculturas de corte figurativo en bronce y zinc que pivotan en torno a una de las Cajas vacías de Oteiza, esta de una colección privada.

La Caja, de entre 1958-59, es también el eje cronológico de la muestra, que va de los años 1949 a 1969, y que contiene la esencia de lo que es la escultura de Oteiza: hueco y materia, sensualidad y trascendencia, humanidad y sacralidad. La sala de exposiciones del Valle se ha transformado, de hecho, en algo muy parecido a una sobrecogedora capilla o territorio sagrado con la presencia de estas obras.

La donación Schabelsky

Pero esas diez piezas del MAS también fueron previamente propiedad particular, y su origen añade a la exposición otra capa afectiva. Su llegada al museo cántabro fue una ansiada y complicada donación del empresario y filántropo Pablo Schabelsky, un huérfano que abandonó San Petersburgo tras la muerte de su padre durante la Revolución Rusa y fue adoptado por su familia en Cantabria. Oteiza profesaba un afecto muy especial hacia Schabelsky porque el coleccionista fue uno de los primeros apoyos que el artista tuvo en los difíciles tiempos tras su regreso de Latinoamérica.

Es precisamente de ese periodo del que datan las primeras piezas de la exposición de un artista que el director del MAS, Salvador Carretero, describe de la manera más sencilla y rotunda: «Uno de los grandes de todos los tiempos. Punto». Aunque esa grandeza indiscutible admita, por descontado, los otros atributos que caracterizaron a Jorge Oteiza, «un artista maldito con un carácter extremadamente difícil», «Auténtico, atómico, solidario como el que más» y un hombre esencialmente «excéntrico», no en habitual sentido figurado de la palabra sino en el más literal: un ser «con múltiples centros», en perpetuo desplazamiento en torno a ellos que hizo de su vida entera «un constante propósito experimental». 

De todo ello habla la pequeña pero imponente selección de esculturas del MAS, que parte del Arrijasotzaile con la piedra cilíndrica de 1949, un levantador de piedras vasco en el que la masa y el peso de la piedra se muestran ya a través del elemento más característico de Oteiza: el  «vacío, o más bien desocupación del espacio que -explica Salvador Carretero- hace que el espacio paradójicamente esté ocupado, porque el vacío es tan importante como la materia en Oteiza».

No pocas de las esculturas están vinculadas al gran ciclo del santuario de Aránzazu, donde Oteiza trabajó en una extraordinaria experiencia de integración entre artistas, y tienen carácter preparatorio, aunque también entidad propia: Cabeza de Apóstol para Aránzazu, Asunción para Aránzazu, Friso con cuatro Apóstoles o la Piedad de Aránzazu en la que el escultor vasco altera radicalmente la iconografía y la composición de este tema tradicional de la escultura sacra.

De un modo u otro, el vacío se hace presente en las huellas y vaciados que dejaron los dedos del artista al trabajar sus modelos de barro, antes de ir a la fundición. También se hace presente la influencia de la escultura precolombina o de su admirado Henry Moore en esculturas como Sagrada familia, Mujeres murmurando o Adán y Eva, una de las más sobresalientes de la colección del MAS donde parece concentrarse todo lo que el portentoso creador vasco quiso reunir en su obra: sustancia y vacío, trascendencia y sensualidad, humanismo y construcción, agonía existencial y experimentación.

El escultor del vacío llena el Museo de Valle

«Díscolo, indómito, provocador, incómodo, rebelde, fugitivo, irrepetible, conspirador». Todos estos adjetivos tienen el mismo destino, la inconfundible figura de Jorge Oteiza (Orio, 1908-San Sebastián, 2003). Los pone en fila Gregorio Díaz Ereño, director del museo que lleva su nombre. Y no se detiene ahí. Habla Díaz Ereño del artista cuya obra es esencial para contar la historia de la segunda mitad del siglo XX como de un genio «poliédrico, en permanente lucha contra el engaño y la impostura, quijotesco, agitador cultural, disidente, inconformista, de conciencia crítica...». Según él, Jorge Oteiza «es todo y más». Y con esa carga enorme, que va de la antropología a la utopía, pasando por la ética, la estética y la filosofía, viene ahora a Gijón. No él, que falleció hace 13 años, pero sí su obra, que lo dice todo sobre él. Una colección completa que se dejará mirar, a partir de este domingo, en el Museo Evaristo Valle, de Gijón. Allí, el considerado como el escultor del vacío -a su experiencia, análisis y búsqueda dedicó su vida- llenará la sala de exposiciones temporales, a partir del domingo.

Las piezas, 11 en total, todas fundidas en bronce o zinc, pertenecen a su primera gran etapa, la que va de 1949 a 1969. Curiosamente ninguna viene del museo navarro, sino del de Santander. Brillan en sus colecciones gracias a la donación de Pablo Schabelsky, amante del arte nacido en San Petersburgo en 1914, que de niño al morir sus padres, fue adoptado por sus tíos de Santander. Convertido con el tiempo en coleccionista donó aquello que de Oteiza había acopiado, haciendo del museo cántabro uno de los más potentes en representación del escultor vasco.

La única pieza que no viene de su mano es 'Caja Vacía', que procede de una colección particular y es todo un símbolo en la obra del nuevo invitado del Evaristo Valle. Con ella queda patente, como escribe Gabriel Rodríguez en el catálogo de la exposición, que «Oteiza irrumpe en el panorama artístico español como un auténtico tsunami, rompiendo moldes y conceptos».

A Gijón llega, además, con dos retratos fotográficos realizados por uno de sus amigos del alma, el gran escultor asturiano nacido en Ceuta, Amador Rodríguez, que le eternizó analizando las líneas de una de sus obras en actitud totalmente reflexiva y besando a Itziar, el busto de cemento con el que retrató a su mujer y que hoy reposa en colección privada, tras ser vendido hace tiempo por 120.000 euros. Además el propio Amador, de cuya muerte se cumplieron 15 años la semana pasada (10 de junio de 2001), también le espera representado por sus esculturas en el museo de Somió. Una pequeña muestra le rinde memoria y ofrece la posibilidad de acercarse a cinco de sus espléndidas piezas. 

Pero el auténtico protagonista de la cita del domingo es Oteiza. A sus primeros pasos, «persiguiendo la magia de las culturas ancestrales», regresan algunas de las piezas seleccionadas para esta exposición. Otras hablan del tiempo en que introduce «la reflexión sobre el vacío». Interesa destacar, y así lo hace Gabriel Rodríguez, que todo el trabajo del escultor vasco «está inspirado por el mismo afán espiritual de hacer una obra metafísica».

Las primeras esculturas del conjunto, de 1949, se corresponden con el regreso de Oteiza a España «después de su periplo americano, donde se forjó su interés por la cultura precolombina, interés compartido también con Henry Moore». Fue en aquel tiempo cuando conoció al escultor inglés, que deja un importante rastro en su obra. Es evidente en 'Mujeres murmurando' o 'Figuras', que se verán en Gijón. A partir de 1950 «aparecen nuevos planteamientos en sus investigaciones sobre la figura humana, de formatos verticales, vaciados en canal y de carácter mas existencialista». Caso de 'Adán y Eva' y 'Xenpelar'.

Hay distancias en las etapas están, pero ambas están unidas por un trabajo fundamental. La preparación de su obra para el Santuario de Aránzazu, algunos de cuyos bocetos se citan ahora en Gijón, como 'Cabeza de Apóstol para Aránzazu' y 'Asunción para Aránzazu', 'Friso con cuatro Apóstoles', y 'Piedad de Aránzazu'. Unos y otros, alimentados de la carga de profundidad que dejó el escultor en herencia, podrán contemplarse hasta el 25 de septiembre.

“Este es un proyecto para todo el País”

“La Capitalidad cultural tiene su epicentro en Donostia, pero nuestra ambición es que sea un proyecto de y para el País, en el que todos los ciudadanos y ciudadanas de Euskal Herria y turistas están invitados”, insiste Pablo Berástegui. 

Hay tantas actividades para este verano que resulta difícil seleccionar alguna. En su opinión, ¿qué no nos deberíamos perder? 

-Hay muchísimas actividades. Yo les diría que participen en todo lo que puedan, pero hay algunas propuestas que resultan imprescindibles. Por ejemplo, la exposición Tratado de Paz, el gran proyecto expositivo de la Capitalidad, que tiene su epicentro en Donostia, en dos sedes, en el Museo San Telmo y en el Koldo Mitxelena, y que luego tendrá extensión en otros lugares. De hecho, ya hay una muestra inaugurada en el Museo Oteiza, en Alzuza; en agosto se abrirá otra en Artium y en septiembre, otra en el Bellas Artes de Bilbao. Pero, es aconsejable acercarse a Donostia para ver el corazón del proyecto. La exposición aborda cómo el arte y el derecho han reflejado los acuerdos de paz en la historia y está compuesta por más de 400 obras de grandes museos internacionales como el Louvre y el Pompidou, pero también del Bellas Artes de Bilbao y el de Gasteiz, del Museo Oteiza, del MNAC y el MACBA, de Barcelona o del Reina Sofía y el Prado, de Madrid. Primero, hay que visitar la muestra de San Telmo y luego, la del Koldo Mitxelena. Además, hay visitas guiadas, que pueden resultar muy interesantes. 

Va a tener una dura competencia con exposiciones como la de Bourgeois en el Guggenheim, el hiperrealismo en el Bellas Artes o el Bosco en Madrid. ¿Qué aporta esta exposición? 

-Es una oferta adicional a esas grandes exposiciones que son capaces de mover a tantos visitantes. En este caso, se abordan temas que nos preocupan a nosotros, que tienen que ver con la paz y cómo, de alguna manera, se ha reflejado en el arte y el derecho; una exposición que cuenta con grandes obras y con un discurso argumental muy potente. Todos los que estén interesados en la Historia, en la representación artística, y que quieran disfrutar de grandes piezas de arte contemporáneo y tradicional, tienen que ver esta exposición. 

Por la mañana, una exposición. ¿Y por la noche? Aconséjenos un buen plan. 

-Hemos programado un gran proyecto teatral, Sueño de una noche de verano, coincidiendo con los 400 años de la muerte de Shakespeare. La particularidad es que la obra sale del teatro y se ambienta en el parque Cristina Enea; se hace un paralelismo con el bosque, que es el protagonista de la obra. Va a ser una experiencia multisensorial, en la que la gastronomía, la magia del solsticio de verano y el genio de Shakespeare para la comedia son los principales ingredientes. Habrá 10 funciones en euskera y 20 en castellano, del 21 junio al 24 de julio, con cena incluida. La venta de entradas ya está muy avanzada. La producción es de la compañía vasca Tanttaka, y es una buena oportunidad para saborear el mejor teatro hecho desde aquí pero con alcance internacional. 

¿Y para quien le guste la música? 

-Hay un proyecto que puede despertar mucho interés, Europa bat batean. En muchos lugares de Europa hay tradiciones similares en las que, con o sin música, se realizan improvisaciones de canto oral. En Donostia celebraremos un encuentro europeo del 11 al 16 de julio. Va a haber diferentes demostraciones de canto improvisado, en el que participarán cantantes de diferentes países como Austria, Gales, Cuba, México, Chipre... junto con bertsolaris, configurando un interesante diálogo intercultural. El festival europeo 12 points también es muy simpático, es como una especie de Eurovisión del jazz para buscar nuevos talentos... Participamos también en la Quincena Musical. Por primera vez en su historia se reunirá la Orquesta de Euskadi y la Sinfónica de Bilbao, en un concierto de clausura que sumará las voces del Orfeón Donostiarra, el Orfeón Pamplonés, la escolanía del Coro Easo y el coro joven Araoz para interpretar el Te Deum de Berlioz. Serán 400 personas en el escenario... Hay muchas propuestas que se adaptan a todos los públicos y a todos los gustos. 

Demasiados planes para un solo día... 

-Creo que los actos que se han programado merecen varias escapadas a Donostia este verano. Y entre concierto, teatro, exposiciones y festivales, yo recomendaría también un paseo por la Milla de la Paz, un recorrido de un kilómetro y medio a través del río Urumea, reflexionando en torno a la paz, a través de exposiciones de fotografías, proyecciones... 

¿Cree que el público de Bizkaia, de Araba o Nafarroa está sintiendo suya la Capitalidad? 

-Nuestra ambición es que sea un proyecto de País, al que todos los ciudadanos de Euskal Herria están invitados. La Capitalidad tiene su epicentro en Donostia, por lo cual es más fácil acceder a sus contenidos a la ciudadanía donostiarra. Sin embargo, el verano es el momento en el que hay mayor disponibilidad para moverse y desplazarse y hay más concentración de actividades dirigidas al público en general. 

El Año Europeo de la Cultura se aproxima a su ecuador. ¿Cuál es el balance? 

-Al proyecto le costó arrancar, pero creemos que va a ir creciendo paulatinamente, y ganando visibilidad. Está siendo un año de experiencias y aprendizaje, de superación de dificultades, pero estamos convencidos de que en 2017 vamos a encontrarnos con una ciudad más rica, mejor relacionada internacionalmente, que ha arriesgado con creaciones contemporáneas, donde los creadores vascos han trabajado con gente de fuera... Nos daremos cuenta de lo importante que ha sido la Capital Cultural.